Les images vibrantes de Narelle Autio sur la vie dans l'Outback australien et sur les côtes lui ont valu une grande renommée. Son utilisation sophistiquée de la couleur, de la lumière et de la composition crée des photographies qui évoquent la beauté complexe des paysages australiens, en mettant l'accent sur le lien entre l'homme et la nature. Décrivant l'océan comme sa muse, elle a passé sa vie sous la mer à poursuivre des idées de transformation, de mythologie et de renaissance, enveloppée dans la théorie féministe.

Autio est née et a grandi à Adélaïde, où elle a obtenu un diplôme en arts visuels à l'Université d'Australie du Sud en 1990. Elle a commencé sa carrière comme photojournaliste avant de se tourner vers le monde de l'art, continuant à trouver son inspiration dans les traditions documentaires de la photographie spontanée.

Autio a reçu de nombreux prix et distinctions. En 2002, elle a remporté le prix international Leica Barnack pour sa série « Coastal Dwellers ». Autio reste la seule Australienne à avoir remporté ce prix prestigieux. Elle a remporté deux World Press Photo Awards, un American Picture of the Year Award et deux Walkley Awards pour le journalisme australien. En 2001, puis à nouveau en 2005, Autio a été sélectionnée parmi les « 50 artistes australiens les plus collectionnables » par le magazine Australian Art Collectors. Son œuvre a fait l'objet de nombreuses publications et a été exposée dans le monde entier ; elle est conservée dans diverses institutions à travers l'Australie et dans de nombreuses collections privées, tant au niveau national qu'international.

Autio a publié deux livres de photographies et est récemment apparue dans le cinquième épisode de la série télévisée Great Southern Landscapes (Plages) diffusée en 2024. Narré par l'actrice australienne Rachel Griffiths, cet épisode rendait hommage à sa photographie emblématique Splash.

Trent Parke, premier Australien à devenir membre à part entière de la célèbre agence Magnum Photo, est considéré comme l'un des photographes les plus innovants et les plus provocateurs de sa génération. Au-delà de la photographie documentaire traditionnelle, le travail de Parke se situe entre fiction et réalité, explorant les thèmes de l'
e de la vie et de la mort, de la lumière et de l'ombre, de l'espace et du temps, et de la mémoire.

Il dresse un portrait émotionnel et psychologique de son pays natal, l'Australie, qui
est poétique et souvent empreint d'un humour noir.

En 2015, sa grande exposition solo The Black Rose a été présentée pour la première fois à l'Art Gallery of South Australia. Composée de milliers de photographies, de caissons lumineux, de vidéos, de textes écrits et de livres, l'exposition a guidé les spectateurs à travers un vaste récit visuel qui explorait le sens et la fugacité de la vie d'un point de vue à la fois personnel et universel.

Parke a reçu de nombreux prix et distinctions. Il a remporté le prix Prudential Eye Award 2014 en Asie, cinq Gold Lenses décernés par le Comité international olympique et quatre World Press Photo Awards. En 2003, il a reçu la prestigieuse bourse W. Eugene Smith Grant in Humanistic Photography.
Parke a publié neuf livres, dont son ouvrage phare Monument /Stanley Barker, en 2023.

Les œuvres de Parke ont été présentées dans des expositions et des salons d'art à travers le monde et font partie des collections de grandes institutions, notamment la National Gallery of Australia, le Museum of Contemporary Art, la National Gallery of Victoria, l'Art Gallery of New South Wales, l'Art Gallery of South Australia et l'Artbank.

Gus Powell est né à New York en 1974 et a étudié à l'Oberlin College, où il s'est spécialisé en religion comparée. En 2003, il a été sélectionné pour figurer dans le numéro « 30 under 30 » du magazine PDN et a également publié son premier ouvrage, The Company of Strangers (J&L Books). Ses œuvres ont été exposées à l'échelle internationale, notamment lors d'une exposition solo au Museum of The City of New York et d'expositions collectives à l'Art Institute of Chicago, au Museum of Fine Arts Houston et au FOAM, aux Pays-Bas.

Ses photographies ont été publiées dans Aperture, Harpers, Vogue, M le mag – Le Monde, The New York Times, Wired, Fortune, W et The New Yorker. En tant que photographe commercial, il a collaboré avec Nordstroms, Kate Spade, Rachel Comey, Adidas, MoMA, Citibank et Bloomberg Philanthropies. Il est membre du collectif international de photographes de rue UP et enseigne au département de photographie, vidéo et médias associés de la School of Visual Arts de New York.

Son travail figure dans les ouvrages Bystander: A World History of Street Photography et Street Photography Now. La deuxième monographie de Powell, intitulée The Lonely Ones (J&L Books), a été saluée comme l'un des meilleurs livres de photographie de l'année et a été réimprimée en édition trilingue. Sa troisième monographie, FAMILY CAR TROUBLE (TBW Books), est devenue un nouveau classique du genre « Automotive Parenting Bereavement » (deuil parental automobile). Powell travaille actuellement sur un livre de photographie de rue intitulé 32 Preludes.

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Monaris est une photographe portoricaine, conteuse visuelle et ambassadrice Sony Alpha basée dans le New Jersey. Reconnue pour son œil cinématographique et son travail riche en émotions, elle apporte une touche d'intemporalité et d'intention à tout ce qu'elle capture. Son authenticité derrière l'objectif fait ressortir l'humanité de ses sujets, transformant des moments fugaces en récits visuels puissants.

Regula Tschumi est une photographe et anthropologue sociale suisse titulaire d'un doctorat. Dans le cadre de ses recherches, elle a participé à divers projets d'exposition dans des institutions renommées telles que le Centre Georges Pompidou à Paris, la Collection de l'Art Brut à Lausanne ou le Musée d'Ethnographie à Neuchâtel.

La photographie documentaire et urbaine est devenue une partie importante de ses recherches ethnographiques au Ghana. Ses photographies de cercueils figuratifs et de rituels funéraires, en particulier, ont été exposées à de nombreuses reprises et publiées dans de nombreux livres, catalogues d'art, magazines et quotidiens.

Tschumi a remporté plusieurs grands festivals de photographie de rue en Europe et aux États-Unis. Elle a également participé à de nombreuses expositions organisées par Gulnara Samoilova pour Women Street Photographers. En 2024, elle a exposé à la galerie Magnin-A à Paris, et début 2026, son travail est présenté à la Fondation Nubuke à Accra.

En 2025, elle a publié son premier livre de photos, intitulé « Buried in Style : Artistic Coffins and Funeral Culture in Ghana » (Enterré avec style : cercueils artistiques et culture funéraire au Ghana).

Née à Athènes, en Grèce, et élevée en Italie, Eleni Albarosa (née en 1996) a commencé à photographier à l'âge de quinze ans, la même année où elle a été publiée pour la première fois par National Geographic Italie. Son travail explore les réalités sociales marquées par les préjugés, la désinformation ou les stéréotypes nuisibles, un thème qui s'est imposé à elle grâce à sa longue pratique de la photographie et à ses études de licence en anthropologie, qu'elle a terminées avec une note de 105/110 et une thèse sur l'économie interne des prisons. Les projets d'Albarosa l'ont amenée à côtoyer diverses communautés, notamment des artistes de cirque nomades, des communautés roms en Italie et en Grèce, des gens du voyage irlandais au Royaume-Uni et une troupe de théâtre composée d'anciens détenus à Mexico. Elle a collaboré à des projets internationaux et a été publiée dans Collater.al Magazine (2025), National Geographic US (2024), Billboard (2024), Huck Magazine (2023), Overseas Magazine (2021) et National Geographic Italy (2012). Son travail commercial et collaboratif comprend des projets avec l'Académie Antetokounbros, Nike (2021) et Eleusis City of Culture 2023. En 2024, elle a lancé La Ternura es Radical, un projet documentant d'anciens prisonniers travaillant comme acteurs à Mexico, en collaboration avec l'anthropologue Jorge Varela Perera. Le projet a reçu le prix Canon Student Development Program Award à Perpignan en 2024 et a été sélectionné pour le Hamburg Portfolio Review.

En 2025, Albarosa a été nommée parmi les 30 femmes photographes de moins de 30 ans par ARTPIL, a rejoint le jury du SPLITFORMAT Photo Festival et a exposé son travail à l'international en Belgique (Bruxelles), en France (Arles) et en Italie (Bologne, Trévise, Trieste et Turin). La même année, elle a collaboré avec CameraTorino à la production d'un documentaire sur le quartier Falchera à Turin, développé dans le cadre du festival Stratosferica.

En 2026, son travail sera exposé à New York après avoir été sélectionné par Women Street Photographers. La même année, elle a été sélectionnée pour participer à une masterclass avec le photographe Magnum Enri Canaj à Athens Photo World et comme l'une des trois finalistes du concours Athens Photo World, dont le classement final sera annoncé en mars 2026.

Julia Baier est une photographe et conférencière originaire de Berlin, en Allemagne.

Grâce à la photographie, Julia parcourt le monde depuis des années dans le cadre de divers projets artistiques et journalistiques ainsi que de commandes. Son travail a acquis une renommée internationale, comme en témoignent les nombreux prix et expositions qui lui ont été décernés. Elle a reçu le BFF Promotion Award, le 2e prix du Prix européen de la photographie d'architecture, et a été sélectionnée pour la World Press Masterclass. Julia Baier a également figuré parmi les finalistes du Prix Leica-Oskar-Barnack.

Depuis plus de vingt-cinq ans, le lien entre les hommes et l’eau est au cœur de sa fascination personnelle dans son travail. À travers la photographie, Baier explore les côtes, les rivières et les bords de piscine afin de comprendre la relation profonde qui unit les personnes à l’eau, source d’expériences tant individuelles que sociales.
Baier a fait l’objet de plusieurs monographies et est, depuis 2019, membre du collectif de photographes de rue UP Photographers. De plus, tout au long de sa carrière, Baier a enseigné dans des académies d’art, animé des ateliers internationaux et partagé sa pratique artistique à travers des conférences.

Site web : www.juliabaier.de‍

Instagram : @julia_baier_fotografie

Sandra Hernández a exercé le métier d'architecte pendant dix-huit ans avant de se mettre à la photographie. Cette formation ne l'a jamais quittée : elle transparaît dans la façon dont elle aborde un lieu, en déchiffre les structures et travaille sur la tension entre l'espace et la présence humaine.

Sa pratique se caractérise par une immersion de longue durée et une question sous-jacente récurrente : comment les gens s’approprient-ils les lieux qui les façonnent — et ce que ces lieux révèlent sur ceux qui ont le droit de rester et ceux qui disparaissent.

Ses travaux sont publiés dans The Guardian, Forbes et Gatopardo, et elle collabore avec Reuters et Bloomberg. Elle est ambassadrice Fujifilm, membre professionnelle de The Raw Society, membre de Women Photograph et ancienne participante à l'Eddie Adams Workshop.

John Vink est né en Belgique en 1948. Il a étudié la photographie à l'École des Beaux-Arts de La Cambre en 1968 et a commencé à travailler comme journaliste indépendant trois ans plus tard. Il a rejoint l'Agence Vu à Paris en 1986 et a remporté cette année-là le prix Eugene Smith pour son travail « Water in the Sahel ». Entre 1987 et 1993, il a réalisé un travail de grande envergure sur les réfugiés à travers le monde ; le livre « Réfugiés » a été publié en 1994. John Vink est devenu membre de Magnum Photos en 1997. En 1993, il a commencé à travailler sur « Peuples d’en Haut », publié en 2004, une série de chroniques sur des communautés à forte identité culturelle vivant dans des zones montagneuses. Il s’est installé au Cambodge de 2000 à 2016, un pays qu’il visitait depuis 1989. Le livre « Avoir 20 ans à Phnom Penh » a été publié en 2000, et « PoidsMouche », un ouvrage sur la boxe khmère, a été publié en 2006. En 2012, il publie « Quest for Land » pour l’iPad, une compilation de 11 années consacrées aux questions foncières au Cambodge. Il est de retour à Bruxelles, en Belgique, depuis août 2016. Il a démissionné de Magnum en juin 2017 et a rejoint MAPS en septembre 2017. Il quitte MAPS cinq ans plus tard, en octobre 2022. « Sidelines », un livre publié par Hannibal Books, sort à l’occasion d’une exposition rétrospective au Musée de la Photographie de Charleroi en mai 2025. En janvier 2026, il auto-publie « Their Name is Piehsak », consacré aux Khmers déplacés par le conflit avec la Thaïlande.

Site web : https://johnvink.photoshelter.com/index‍

Instagram : https://instagram.com/vinkjohn/

Jesse Marlow est un photographe basé à Melbourne. Ses œuvres font partie de collections publiques et privées à travers toute l'Australie, notamment celles de la National Gallery of Victoria, du Parlement australien à Canberra, de la Monash Gallery of Art, de la ville de Melbourne et de la Bibliothèque d'État de Victoria. En 2005, il a publié un recueil de photographies de rue intitulé Wounded (Sling Shot Press). En 2006, il a été sélectionné pour participer à la Masterclass Joop Swart du World Press Photo à Amsterdam. En 2010, Marlow a fait partie des 45 photographes de rue du monde entier présentés dans l'ouvrage Street Photography Now (Thames & Hudson). Il a reçu le prix International Street Photographer of the Year en 2011 et a remporté le prix Bowness de la Monash Gallery of Art en 2012. Marlow a publié sa troisième monographie, Don't Just Tell Them, Show Them, en 2014. En 2025, Marlow a publié son cinquième livre, (De)Compositions (Perimeter Editions). Marlow est le directeur de la Leica Akademie Australia.