J'ai travaillé en série ces derniers temps parce que c'est une façon pour moi de donner un sens à mes photos. J'admire le talent qu'il faut pour créer des images fortes qui se suffisent à elles-mêmes et sont intéressantes, émotives ou humoristiques - après tout, c'est ce que nous recherchons tous - mais je commence aussi à comprendre comment les images peuvent prendre de nouvelles significations, devenir plus puissantes ou résonner plus longtemps dans le récit d'une série. Et je suppose que la narration et le récit ont toujours été importants pour moi, car mon premier amour était la littérature et je vois maintenant la photographie comme une extension de cet amour. J'ai passé dix ans dans le monde universitaire à étudier, à faire des recherches et à enseigner la littérature, alors c'est devenu une habitude. C'est pourquoi j'utilise l'analogie suivante : les meilleures images sont comme des phrases parfaites, avec une sélection minutieuse du langage et des arrangements syntaxiques, mais elles ne peuvent pas vraiment communiquer une histoire à elles seules. De la même manière, j'ai l'impression que les meilleures séries photographiques - où toutes ces phrases bien composées se rejoignent et où les fils et les motifs thématiques sont entrelacés, offrant un sens au-delà du simple mot, de la phrase ou de la page - sont des histoires courtes comparables.

Cette courte série est née du processus d'édition de mon travail sur la lumière visible In, où j'avais une centaine de tirages 5 x 7 disposés un peu partout sur mes murs. En regardant les chutes, j'ai remarqué que j'étais attiré par le fait de photographier certaines choses d'une certaine manière, notamment des personnes dont le visage est masqué par une sorte de couverture. Beaucoup de ces photos étaient individuellement assez clichées et n'offraient pas grand-chose au-delà de l'humour ou de l'intérêt initial. J'ai donc réfléchi à la question pendant un certain temps et j'ai joué avec ces tirages en les regroupant et en les mettant en séquence. J'ai eu l'impression qu'elles avaient plus de sens pour moi lorsqu'elles étaient disposées ensemble.

Pour m'amuser, j'ai montré cet ensemble à quelques amis photographes en qui j'ai confiance et l'un d'eux a suggéré que ce genre de photos reflétait peut-être mon propre désir de disparaître, de rester " caché " en photographiant au milieu du flux et du reflux de la rue - caché à la vue de tous. Je pense qu'elle avait raison et, d'une certaine manière, les visages partiellement couverts représentent l'expérience subjective qui est au cœur de In visible light, celle de la relocalisation à Sydney, et avec elle un sentiment d'isolement et l'impression de vivre la vie derrière une sorte de façade. Je pense que c'est ce qui ressort pour moi lorsque je regarde la série de StreetFoto San Francisco que j'ai constituée, mais je ne suis pas sûr que ce soit suffisamment fort ou que d'autres personnes le voient de la même façon. Cela dit, je ne pense pas que j'irai délibérément photographier dans le but d'enrichir cette série et je considère toujours que ces photos font partie d'un ensemble plus large de travaux, In visible light, donc je ne suis pas sûr de ce qui en sortira.

Il ne fait aucun doute que j'ai beaucoup de chance, sur le plan photographique, de vivre à Sydney et de bénéficier d'une lumière incroyable tout au long de l'année. Dès que la lumière est bonne, je ressens le besoin de faire des photos. Elle se déverse dans les rues de la ville, entre les bâtiments, se reflète sur les vastes surfaces vitrées et crée des zones d'ombre et de lumière fortes. Je suis attiré par ces endroits et fasciné par la rapidité avec laquelle la lumière change d'une minute à l'autre, d'une semaine à l'autre et d'une saison à l'autre. Photographier dans ces endroits m'a permis de réfléchir à mes perceptions du monde qui m'entoure et de voir la lumière comme un outil de révélation.

En tant qu'enseignant à plein temps, j'essaie toujours de faire des photos aussi souvent que possible, mais les jours couverts ou les jours où la lumière est plate sont généralement ceux où je rattrape mon retard dans la planification des leçons, la notation et l'administration qui accompagne le travail. Si j'ai l'occasion de photographier dans des conditions ternes ou par mauvais temps, j'utilise souvent un flash. De la même manière que je photographie en essayant d'exploiter la lumière crue de Sydney pour transformer le monde, j'aime utiliser le flash pour contrôler la lumière et rendre les choses de manière expressive. Il y a quelques années, j'ai fait un séjour prolongé à Berlin et j'ai beaucoup expérimenté l'utilisation du flash. J'ai récemment édité ces photos pour en faire une série, dont certaines sont personnelles et dépeignent la vie de famille, tandis que d'autres sont des photographies de rue, ce qui est très différent de mon travail à Sydney.

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Les projets et les séries prennent naissance de différentes manières et il n'y a pas de "bonne" ou de "mauvaise" façon d'en créer une. Il va sans dire que le processus d'édition, de mise en séquence, de méditation et de consolidation des photographies que l'on fait dans un projet significatif prend beaucoup de temps, parfois des années. Le conseil que je donnerais à quiconque entreprend ou envisage un projet de photographie de rue serait de prendre du recul par rapport à son travail et de s'interroger sur le sens et le but de ses images. Vous devez vous demander pourquoi vos images sont importantes et pour qui elles le sont. Vous devez vous demander "ce que je veux montrer plutôt que ce que je veux dire au spectateur". S'agit-il d'un projet sur la vie à une certaine époque dans un lieu particulier ; s'agit-il d'un projet sur vous et vos expériences, vos perceptions ou vos façons de voir ; ou s'agit-il d'un projet sur quelque chose de particulier comme une émotion, un thème ou un motif ? Que pouvez-vous dire avec vos images que d'autres photographes n'ont pas/ne peuvent pas dire eux-mêmes et de manière plus authentique que vous ? En quoi votre idée/projet se démarque-t-il de ceux qui ont déjà dépeint des sujets similaires dans des œuvres photographiques substantielles ? Ce sont des questions difficiles, mais c'est pourquoi il est si difficile de réaliser un projet ou une série valable.

Souvent, les projets commencent par une idée claire, mais c'est une chose avec laquelle j'ai eu du mal et ma série In visible light est plutôt née de l'accumulation de plusieurs milliers d'images au cours des dernières années, puis de leur utilisation pour interroger ma façon de voir, mes expériences et ma réponse émotionnelle au monde qui m'entoure. Une fois que j'ai commencé à voir des modèles et des thèmes émerger dans ce que j'étais attiré à photographier, j'ai commencé à distiller les images dans une forme narrative plus claire, séquencée pour refléter ce que je voulais montrer au spectateur. J'ai commencé par regarder un montage grossier de ce que je considérais comme mes images les plus fortes et à déterminer ce que j'aimais en elles. Parfois, c'était le sujet ou le moment, parfois la profondeur de la composition, parfois les couleurs, les formes ou les symboles dans le cadre, et le plus souvent le jeu d'ombre et de lumière. J'ai ensuite utilisé ces idées pour revenir sur un large montage de quelques centaines d'images et essayer de trouver des liens entre elles. Pour rendre ce processus plus gérable, j'ai travaillé avec des tirages 6X4 et les ai étalés sur le sol ou collés aux murs. Cela permettait des comparaisons visuelles entre les photos et la possibilité de les mélanger rapidement pour jouer avec différentes combinaisons et séquences. Quelques éléments sont devenus clairs à ce stade : je voulais que la série évoque les expériences émotionnelles que j'ai vécues en m'installant à Sydney, et je voulais travailler du clair au foncé. Après de nombreuses expérimentations, essais et erreurs, frustrations et remises en question, j'ai réduit la série à 70 images. J'ai ensuite travaillé avec des petits tirages une fois de plus, j'ai fait plus de coupes et je suis arrivé à un montage pour In visible light. Nous verrons si j'en suis toujours satisfait dans quelques mois.

J'ai maquetté des maquettes et des livres factices pour In visible light au cours des 5 derniers mois environ. J'en ai montré une sur Instagram récemment, sans trop y penser, mais j'ai été surpris par la réponse qu'elle a reçue. J'ai reçu plus de 70 messages demandant d'acheter un exemplaire et d'autres encore se renseignant à son sujet. J'ai même eu l'intérêt d'un éditeur, ce qui était un peu surréaliste. J'aimerais présenter l'œuvre sous forme de livre un jour, mais je ne suis pas pressé. Bien que je m'attende à ce que la série ne soit jamais vraiment terminée et qu'il soit possible d'y ajouter ou d'en retirer des images ici et là, j'ai l'impression d'avoir assemblé le squelette de l'œuvre, mais il faudra encore du temps pour mettre de la chair sur ces os, y injecter du sang et lui insuffler la vie.

Mon autre grand projet de photographie de rue, que j'ai photographié depuis 2014 jusqu'à cette semaine même, représente des passagers débarquant du ferry Manly à Circular Quay. La lumière est assez spéciale à cet endroit car, à certaines périodes de l'année, il y a à la fois une lumière directe et réfléchie sur le terminal et le conduit par lequel les navetteurs sont encerclés. Lorsqu'un ferry accoste, des vagues successives de personnes traversent le terminal et j'ai essayé de photographier le chaos absolu et la multitude de personnes prises dans cette activité quotidienne. Je viens de terminer mon premier montage et il me reste un peu plus de 700 images à traiter.